Nous discutons de l’économie du son, un sujet qui couvre certains des différents aspects de la création de disques dans le paysage numérique actuel et les coûts impliqués.

Dans cet article :

De sa création à sa diffusion, le processus de production de disques n’a jamais été aussi flexible qu’aujourd’hui, mais il n’a jamais été aussi mal compris. À une extrémité du spectre, la liberté technologique permet aux artistes de produire une infinité de chansons depuis leur chambre pour presque rien. À l’autre extrême, les productions d’albums haut de gamme peuvent encore coûter des centaines de milliers de dollars.

Cependant, on pourrait affirmer que les artistes ont toujours trouvé un moyen de se faire entendre, de sorte que la question porte davantage sur la durabilité d’une carrière que sur le coût d’un seul projet. Alors, comment transformer ces investissements en revenus dans une industrie musicale axée sur le streaming ? Découvrons.

L’économie du son : le coût réel de l’enregistrement de musique

Jusqu’à ce que nous soyons remplacés par des scripts de programmation et des robots, la création musicale reste un processus à forte intensité de main-d’œuvre. Même si nous avons accès à plus de ressources que jamais, le goût, le temps et l’expérience coûtent toujours de l’argent.

Habituellement, la création d’un album indépendant peut coûter entre 5 000 et 25 000 dollars, tandis que les artistes établis peuvent dépenser plus de 50 000 dollars selon le choix du studio, la portée de l’enregistrement et l’équipe avec laquelle ils travaillent. Si vous adoptez l’approche DIY, vous pouvez réaliser un projet pour seulement 2 000 à 5 000 dollars, mais il y aura souvent des compromis dans des domaines tels que l’acoustique, le mixage et la qualité des performances.

Examinons une répartition des coûts du projet :

  • Enregistrement : 2 000 $ à 25 000 $. Certains projets n’ont besoin que d’un suivi vocal dans un studio loué, d’autres s’occupent de chaque phase, même de l’écriture des chansons.
  • Mixage : 1 500 $ à 15 000 $
  • Maîtrise : 300 $ à 4 000 $
  • Producteurs et musiciens de session : ces coûts peuvent devenir l’élément le plus important pour certains projets
  • Illustrations, distribution et relations publiques : des coûts considérables qui peuvent en ajouter des milliers.

Les tarifs horaires de location de studios varient de 50 $ à 500 $, et les producteurs peuvent facturer entre 50 $ et plus de 2 000 $ de l’heure, selon le niveau de l’industrie dans lequel vous travaillez.

En résumé : les outils que nous utilisons sont peut-être devenus plus abordables, mais la main d’œuvre spécialisée reste coûteuse, et c’est ainsi que l’on obtient des enregistrements de qualité professionnelle.

L’économie du son : coûts cachés

Si vous suivez les déploiements dans l’industrie musicale actuelle, vous verrez qu’il ne s’agit pas simplement de rendre l’audio disponible sur les plateformes de streaming. Outre les vidéos musicales, il existe du contenu sur les réseaux sociaux, des interviews, des podcasts, des campagnes alignées sur la marque et une stratégie visuelle.

Alors que le budget d’une production de vidéoclips indépendants peut varier entre 2 000 et 15 000 dollars, un tournage haut de gamme peut coûter bien plus de 100 000 dollars. Même si le matériel source visuel était facile à trouver, il nécessite toujours une édition, un étalonnage des couleurs, une planification minutieuse du déploiement et une distribution pour se faire remarquer.

En conséquence, le coût réel de la sortie de la musique dépasse souvent les murs du studio. À l’ère SoundCloud, des artistes comme Russ ont construit des bases de fans fidèles en traitant les chansons comme du contenu publié chaque semaine. Aujourd’hui, les moteurs marketing derrière des artistes comme Tyla ont plus en commun avec les créateurs de contenu et les influenceurs qu’avec les artistes de musique traditionnelle.

L’économie du son : flux de revenus

Même si les coûts de production sont relativement stables, l’ampleur des sources de revenus a complètement changé, voire diminué.

Bien que le streaming soit très répandu, il rapporte très peu à moins de posséder 100 % de ses masters. Le retour par flux sur Spotify, par exemple, est d’environ 0,003 à 0,005 USD.

Cela signifie:

  • 1 million de streams = environ 3 000 à 5 000 $
  • 10 millions de streams = environ 30 000 à 50 000 $

En tant qu’artiste indépendant qui a dépensé, disons, 15 000 $ pour produire un album, compter uniquement sur le streaming pour soutenir sa carrière est une chimère.

Les ventes de supports physiques et de téléchargements payants ont peut-être joué un rôle autrefois, mais cette fois-ci est révolue. En guise d’alternative, les artistes doivent compter sur toute une gamme de sources de revenus différentes.

Y compris:

  • Spectacles live et tournées
  • Ventes de marchandises
  • Licence de synchronisation (film, télévision, jeux)
  • Partenariats de marque
  • Patreon et autres abonnements de fans

En conséquence, l’artiste d’aujourd’hui est plus un entrepreneur créatif qu’un simple artiste d’enregistrement comme Steely Dan.

L’économie du son : production vs promotion

À mesure que le climat musical changeait, ce changement transformait l’allocation des budgets. À l’époque des ventes physiques, la majorité du budget était consacrée à l’enregistrement, mais aujourd’hui, les grands contrats de disques cherchent à récupérer des tournées.

Une allocation budgétaire courante que vous pourriez trouver est :

  • 30 à 40% de production (enregistrement, mixage et mastering)
  • 30% de visuels et contenus
  • 20 à 30% de marketing et promotion

Alors que le marché du streaming est saturé de contenu à la fois humain et IA, investir dans une stratégie de visibilité est devenu une priorité aussi importante que la qualité de la musique, parfois plus grande.

L’économie du son : la révolution du bricolage

Alors que l’effondrement des ventes physiques a décentralisé l’industrie musicale, l’essor d’une technologie abordable a rendu la production musicale accessible à tous. Avec seulement un ordinateur portable, une DAW et une paire d’écouteurs, vous pouvez produire des chansons adaptées à la sortie, en ne dépensant qu’une fraction de ce que cela coûtait il y a 30 ans. Un projet local peut démarrer pour seulement 500 à 5 000 dollars par chanson.

Cependant, cette nouvelle incitation au bricolage présente des inconvénients.

Même si personne ne peut contester que la production musicale est plus abordable que jamais, la démocratisation engendre la concurrence. Cela signifie que l’investissement est essentiel pour se démarquer sur un marché inondé, plutôt que de simplement acheter du matériel de studio.

En résumé : le coût de la production musicale a peut-être diminué, mais pas le coût d’une carrière musicale durable.

L’économie du son : la durabilité

La question de la durabilité est centrale.

Cette inadéquation inhérente entre les coûts de production élevés et les faibles revenus du streaming a entraîné un écart notable en matière de durabilité. Même les projets professionnels les plus simples nécessitent des milliers de dollars payés d’avance, tandis que les retours sont difficiles à prévoir et lents.

C’est pourquoi le succès de nombreux artistes dépend de :

Pour de nombreux artistes, la rentabilité dépend :

  • Construire une base de fans fidèles qui achète des billets et des produits dérivés
  • Créer des flux de revenus supplémentaires
  • Apprendre à rationaliser la production sans compromettre la qualité
  • S’assurer que vous possédez les droits et les masters, si possible

Cela met la classe moyenne des artistes, entre les amateurs et les artistes d’arène, sous une pression considérable.

La nouvelle économie du son

En fin de compte, l’aspect financier du marché musical actuel est défini par le fait que, même si la distribution musicale est moins chère que jamais, le coût réel d’une création musicale réussie et d’une tournée ne l’est pas.

Oui, les outils et les flux de travail que nous utilisons ont évolué, mais créer une bonne musique qui se démarque nécessite toujours des compétences, du temps et de la collaboration, ce qui a un coût.

Ce qui a changé plus que tout, c’est le monde autour de la culture musicale et les systèmes qui régissent la façon dont la musique est consommée, commercialisée et monétisée.

Pour les artistes d’aujourd’hui, le succès ne consiste plus à écrire une bonne chanson qui sera reprise par un label. Il s’agit plutôt de construire un système autour de votre production musicale qui vous permet d’atteindre vos fans.

C’est dans la construction et l’entretien de cet écosystème que réside réellement le coût.

Plus d’informations :

  • En savoir plus sur la production musicale sur Gearnews
  • Consultez le guide Thomann de l’enregistrement à domicile*

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